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RECOMENDACIONES ANIME INVIERNO 2021

La temporada de anime invierno 2021 debuta con las continuaciones de series como Shingeki no Kyojin, Jujutsu Kaisen o la esperada vuelta de That Time I Got Reincarnated as a Slime o The Promised Neverland. Pero también nos trae un gran número de estrenos totalmente nuevos y prometedores como Wonder Egg Priority, SK8 the Infinity o Vlad Love, entre otros; así como las adaptaciones animadas de Horimiya, Mushoku Tensei, Kumo Desu ga, Nani ka? o Kemono Jihen.

Una temporada que, por fin, vuelve a tener forma y deja atrás esas estaciones sentenciadas por la covid-19 a todos los niveles. Temporadas que no han salido del todo mal pero que, sin duda, han contado con un número muy inferior de series respecto al habitual. Por otro lado, este mismo invierno Japón ha contado con dos los estrenos más esperados de 2021 y que, por ahora, no sabemos si llegarán a nuestros cines; hablamos de la película de Gintama y de la dupla Bishoujo Senshi Sailor Moon Eternal.


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Así, con un calendario invernal algo modificado pero una selección de títulos que vuelve a contar con un número de estrenos más habitual, volvemos a realizar esta sección que sabemos que tanto os gusta tras superar el ecuador de la presente temporada. Siguiendo el nuevo esquema que comenzamos el año pasado y teniendo en cuenta todos los títulos de ésta —nuevas producciones o regresos de otras temporadas—, a continuación os presentamos nuestras recomendaciones para la temporada invierno 2021.

Recomendaciones de Edu

Shingeki no Kyojin: The Final Season Tras la marcha de Wit Studio, pocos candidatos eran lo suficientemente capaces de hacer frente a las draconianas exigencias de producción que exigía la última parte de la mediática franquicia. Pero ahí estaba MAPPA, dispuesta a coger el testigo e intentar estar a la altura de cara al gran final. El hermetismo y las incógnitas rodeaban una producción que, hasta el momento de emisión de su primer capítulo, parecía abocada al más vil fracaso. Ahora, con una decena de entregas a sus espaldas, ya se puede decir que el trabajo de MAPPA tiene poco que envidiarle al de Wit. Porque a pesar de que los enfrentamientos entre titanes quizá chirríen más de lo que deberían, el tipo de narrativa que abraza el último tercio de la obra de Isayama es el idóneo para que la dirección de Yuuichirou Hayashi (Dorohedoro) se aleje de la épica en su tono para abordar con sobriedad y cierta maestría temáticas y aspectos más ligados a las ideologías, a la psique de unos personajes destrozados por los efectos de la guerra y, cómo no, al interminable ciclo de violencia y odio. La última iteración de Shingeki no Kyojin esgrima el mensaje de la obra original y lo lleva más allá; se aleja de maniqueísmos absurdos y se sumerge en un lodo bélico que, lamentablemente, sirve también como un reflejo de nuestra historia.

Crítica de Shingeki no Kyojin 4x01 Gabi Falco - El Palomitrón

SK8 the Infinity En una industria cada vez más plagada de adaptaciones de otros trabajos, encontrarse con series originales —y puestos a elegir, de calidad— se ha convertido en una tarea nada fácil. En una temporada repleta de continuaciones de series mainstream como Jujutsu Kaisen, The Promised Neverland, Shingeki no Kyojin o Dr. Stone, el nuevo trabajo de Bones se alza con voz propia como una propuesta desenfadada y muy sólida que, para sorpresa de muches, toma el skateboarding y su cultura como núcleo ficcional. La que fuera directora en series como Free! o Banana Fish, Hiroko Utsumi, encabeza un proyecto que rezuma, sobre todo, personalidad, y que no titubea a la hora de trastear y filtrar por una idiosincrática visión nipona un ecosistema deportivo-cultural que, a día de hoy, puede pecar de anacrónico. Utsumi conquista con suma facilidad con una introducción y un desarrollo consistentes, un elenco de personajes tan atractivo como excéntrico, y una narrativa que no busca aspirar a grandes metas, sino a las pequeñas gestas y al día a día de un par de chavales que disfrutan haciendo skate. Su sinceridad narrativa, su habilidad para seducir con un deporte a priori «olvidado» y su sobresaliente faceta técnica, hacen que el nuevo proyecto de Bones sea uno de los caramelos más dulces de la temporada

Wonder Egg Priority Otro de los caramelos de la temporada es, precisamente, otro proyecto original a cargo de CloverWorks; estudio que, actualmente, tiene en emisión dos series más: Horimiya y la segunda temporada de The Promised Neverland. Las dudas y las críticas en torno al rumbo tomado en la adaptación de la obra de Shirai y Posuka, y el grado de fidelidad de Horimiya respecto al material original quedan en nada en cuanto hay que valorar el trabajo llevado a cabo en el título de marras. Porque CloverWorks lleva a cabo un sobresaliente ejercicio que aúna fantasía, onirismo y realidad en forma de una críptica aventura que se acoge a ciertas temáticas y cierto simbolismo con reminiscencias a series como Sarazanmai. Un grupo de adolescentes que navegan por el mundo de los sueños mientras tratan de salvar vidas ajenas y encontrar la forma de «revivir» a seres queridos que perdieron la vida suicidándose. Wonder Egg Priority sorprende por lo enigmático y bizarro de su premisa, pero es en su forma donde gana enteros, afianzando poco a poco temas tan peliagudos como el bullying escolar, el acoso y el suicidio a través de un grupo de jóvenes tratando de encontrarse a sí mismes. Un relato de vida, muerte y madurez, con un apartado técnico y una dirección artística que endulzan un proyecto destinado a convertirse en lo mejor de este año.     

Recomendaciones de Marisol

Given: The Movie Desde que comenzara su andadura el pasado 2013, la obra de Natsuki Kuzi no ha hecho más que sembrar y recoger múltiples éxitos. Por un lado, desde el material original, uno que ha revolucionado más de medio mundo y cuyas ventas representan uno de los grosos más importantes de los últimos años llevando en Japón. Una obra que, tras su salto a la TV no solo ha logrado llegar al corazón de más personas, sino que ha logrado dotar de color y sonido a una historia que ya de por sí decía mucho más que otras a través de su único medio: el papel. Pero el trabajo de Lerche ha sido uno mayúsculo, uno que ya recomendamos el verano de 2019 cuando se estrenó la primera parte del anime y que ahora, dos años más tarde, volvemos a situar en nuestro listado como uno de los productos más imprescindibles de la temporada que en esta ocasión se postula ante el público en forma de película. Una producción cinematográfica que continúa de forma directa los sucesos con los que cerraba la primera temporada y que nos transportará a uno de los arcos más crudos de Given. Un arco cuyo protagonismo recaerá en Haruki y Akihiko principalmente. Un nuevo punto y aparte que nos servirá para descubrir que la historia de Given es una de contrastes, una que no teme en contar la realidad tal y como es aunque duela, pero ante todo, una que iza una bandera en pos de la música. Una bandera que rompe prejuicios, huye de falsos mitos y que, además, emplea el mejor lenguaje para demostrarle al corazón qué siente exactamente. 

Crítica de la película de Given Haruki - El Palomitrón

Hataraku Saibou Black Hablar de Cells at Work! significa hablar de una obra insignia, un título capaz de enseñarnos y divertirnos a través de las acciones que realiza nuestro cuerpo en su interior. Una obra que, tras su salto al éxito el pasado 2018, no ha dejado de crear nuevo material. Y es que a pesar de que actualmente también se esté emitiendo la segunda temporada de la serie principal, la franquicia no ha dejado de crecer en su formato homónimo con más de tres nuevos spin-off’s basados en la obra original pero ofreciendo miradas diferentes. Una mirada que recogeremos a través de Hataraku Saibou Black, uno de los spin-off más relevantes del título y que también se encuentra en emisión en la temporada de invierno conviviendo y compartiendo espacio con las células más amigables. Pero lejos del tono de Cells at Work! esta nueva propuesta orquestada originalmente por Shigemitsu Harada e Issei Hatsuyoshi huye de la comodidad para ofrecernos una serie con una nueva perspectiva y una puesta en escena mucho más oscura; algo que consigue introduciendo al espectador en un cuerpo copado de enfermedades causadas por el tabaco, el alcohol, el estrés y muchas más. Una lección totalmente imprescindible que, aunque resulte algo más desagradable que la obra primigenia, también estará bañada por las dosis principales que hacían de Cells at Work! un producto a destacar. 

Yuru Camp S2 Lejos de la música, el amor y las enfermedades más embarazosas, hay una serie que no podía dejar escapar esta temporada. Una serie que ojalá fuera eterna porque verla, literalmente, cura el alma. Hablo de Yuru Camp. La obra de Afro que debutó en televisión el pasado 2018 y que ha sido ahora, tres años después, cuando ha vuelto hasta nosotros con una versión mejorada de sí misma. Un nuevo periplo que recoge lo ya sembradosin olvidar ese pequeño respiro que supuso Heya Camppara continuar el mismo camino pero con objetivos diferentes. En los inicios de Yuru Camp veíamos la construcción del que sería el elenco protagonista y la supervivencia del club de acampada en el instituto; pero es ahora, con esa etapa ya pasada y tras haber vivido nuestros primeros campamentos junto a esas maravillosas chicas que protagonizan la obra de Afro, cuando Yuru Camp se convierte en algo más real y toma el propio entorno y circunstancias de sus protagonistas como base para crear esta segunda temporada. Una en la que veremos nuevos personajes pero también cómo nuestras chicas empiezan a convivir con el mundo laboral, una conexión romantizada para poder seguir realizando aquello que más les fascina a todes elles: acampar.

Recomendaciones de Óscar

Re: Zero S2 — A millas de lo que fuese su inicio, Re:Zero sigue marcando una nueva pauta para un género tan demacrado como es el isekai con un titánico esfuerzo en todos los frentes posibles que se acentúa especialmente en su narrativa. Tras una primera temporada que servía, no tanto como introducción, sino como escenario de la evolución y cambio de sus personajes, y una segunda entrega marcada por el cambio y la exploración personal, el regreso de la adaptación de Tappei Nagatsuki vuelve a convertirse en un huracán dispuesto a arrasar todo lo que encuentre en su camino. Lo desgarrador de su historia no se centra tanto ahora en Subaru, sino en Emilia, que abre su corazón para dar forma y contexto a los sucesos acontecidos antes de The Frozen Bond y permitirnos entender que se oculta tras una mente rota y desesperada que trata de esconder su dolor tras la dulce amabilidad que tanto la caracterizó en un primer momento. Una dinámica que se mueve a la par que su anterior entrega —no dejan de ser dos caras de la misma moneda— y que se sigue caracterizando por ofrecer una dinámica marcada por el miedo irracional, por los sentimientos y por la implacable actuación de su autor a la hora de construir un mundo donde la crueldad tiende a sobresalir sobre el resto de cualidades. Cuesta discernir el cierre de un arco que solo puede entenderse como retorcido en su relación con la introspectiva personal. Con todo, la distancia con su final sigue siendo solo un dulce comparativo del espacio que ya ha abierto con sus inicios.

Urasekai Picnic — A estas alturas del juego el yuri está más que establecido en el medio. Necesitamos una etiqueta para referirnos a ello, lo cual es un permiso triste, pero no deja de ser un pequeño paso a la inclusividad. Incluso así, más allá de la necesidad de categorizar el amor como un género y no como parte del romance, los tópicos siguen siendo una parte intrínseca del mismo. Urasekai Picnic no parece haber nacido para replicar el discurso de Regan y derribar el muro, pero ofrece un pequeño cambio de dinámicas que resultan más sinceras que muchas de las ya establecidas en el género. Lo hace a través de sus protagonistas, Sorao, una misántropa racional y Toriko, una chica excéntrica y lanzada que sirve de contraposición a la idea de su compañera. A través de una relación que se mueve a través de pretextos adolescentes pero con cierto aire adulto y que se enfoca en otra rama del isekai, utilizando el pretexto creepy pasta para justificar las entradas y salidas de sus protagonistas a una dimensión paralela repleta de misterios. Por su propio desarrollo, Urasekai Picnic no permite hablar mucho más de sus líneas sin resaltar las sorpresas que se esconden en ellas. Sin embargo, todo apunta a que su fórmula pretende dibujar el misterio sobrenatural con algunos añadidos capaces de ofrecer un carácter personal y único a su combinación.

Crítica de Urasekai Picnic

Kumo desu ga, Nani ka? — Aquí hemos venido a hablar de isekai y de isekai vamos a hablar. Porque si esta temporada tenemos ejemplos que muestran muchos de los derroteros del géneroMushoku Tensei o Kakushi Dungeon—, también hay quiénes se atreven a aventurarse en nuevos retos y salir victoriosos de ellos. Kumo desu ga, Nani ka? (Sí, soy una araña. ¿Qué pasa?) es el ejemplo perfecto de ello, utilizando este “nuevo mundo” de la forma más excéntrica posible y sacando partido de ello para jugar con sus posibilidades a la hora de explotar las mecánicas del género. En un nuevo mundo y reencarnada en forma de araña, Kumoko se ve obligada a enfrentarse a todo tipo de situaciones a lo largo de una mazmorra propia de cualquier RPG. Sistema del que aprovecha muchas de sus cualidades para hacer de su mundo algo que podría encajar en cualquier juego de rol con alguien al frente capaz de sintetizar una narrativa lo suficientemente excéntrica para hacerla encajar con su trasfondo. No os dejéis llevar por sus apariencias. Más allá del humor, Kumo desu ga, Nani ka? es perfectamente capaz de jugar con los conceptos que propone y plantear un complejo narrativo fuerte y funcional. Algo que expande con una propuesta dividida, que enfoca su acción entre las desventuras de Kumoko y el resto de compañeros de su clase, también reencarnados en nuevas formas que distan mucho de la suya. Con las piezas sobre el tablero y la sorpresa como bandera, la adaptación de este estudio nacido de Gainax plantea la posibilidad de situarse entre los grandes animes de la temporada.

Kemono Jihen — Los cambios de paradigma siempre son un valor añadido a un medio con una enorme afluencia de contenido y una capacidad de innovación visiblemente mermada. No obstante, es imposible negar que dejarse caer frente la pantalla al final de semana con la energía por los suelos siempre se acompaña mejor de títulos simples y que no exijan de nuestra concentración. Kemono Jihen —sí, seguimos en el margen de la fantasía— es una elección perfecta para ello. Una obra que no se distingue por su complejidad narrativa, sino precisamente por una selección de temáticas clásicas que encajan las unas con las otras para dar como resultado un blockbuster marcado por los conceptos que el anime lleva arrastrando durante años pero que brilla a la hora de cumplir con su trabajo. Detectives sobrenaturales, misterios de la misma clase, personajes con un amplio arco evolutivo y problemas personales que resolver en conjunto y límites difusos que se dibujan con cada nueva iteración de la serie. Un título de acción que bebe de clásicos como Yu Yu Hakusho o La ley de Ueki con una propuesta claramente actualizada a nuevos valores y un músculo técnico de Ajia-do Animation Works. Ante todo, una obra muy sana, que ya desde el principio se enfoca en la necesidad de valores tan positivos como el amor personal o la amistad y que, para más inri, acaba con algunos de los tropos más anclados en los géneros de la acción, como son los roles de género a través de Akira. Un personaje que destaca por su inclusividad pero que, lejos de convertirse en protagonista, se normaliza y acompaña al resto del plantel en una combinación que promete sobremanera.

Y para ti, ¿cuáles son tus recomendaciones anime para esta temporada? No dudes en decírnoslo en los comentarios de esta entrada o a través de nuestro perfil de twitter.

Equipo El Palomitrón Anime

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Publicista aficionada de las películas, las series y el cómic en general. No tengo un género preferido, pero todo lo gore me apasiona. Adoro viajar, y si algún día consigo ir a Japón, sin duda para el trayecto tendré preparada toda la obra de Sui Ishida.