La temporada de anime primavera 2021 debuta con las continuaciones de series como My Hero Academia, Zombieland Saga o la esperada vuelta de Fruits Basket o Megalo Box. Pero también nos trae un gran número de estrenos totalmente nuevos y prometedores como Vivy: Fluorite Eye’s Song, Mars Red o Joran: The Princess of Snow and Blood, entre otros; así como las adaptaciones animadas de To Your Eternity, Tokyo Revengers, Shadows House o Bishounen Tanteidan.

Una temporada que, por fin, vuelve a tener forma y deja atrás esas estaciones sentenciadas por la covid-19 a todos los niveles. Temporadas que no han salido del todo mal pero que, sin duda, han contado con un número muy inferior de series respecto al habitual. Por otro lado, esta misma primavera Japón ha contado con uno de los estrenos más esperados del año —Detective Conan Movie 24: The Scarlet Bullet— cuyo revuelo hizo que su estreno también aterrizase en España al mismo tiempo; una cinta que demuestra lo imparable que es la franquicia de Detective Conan en Japón y lo joven que todavía se siente. Por último, añadir que a pesar de que algunas de las películas previstas para mayo estén sufriendo algún que otro retraso en Japón, será en junio cuando debuten títulos como Gyokou no Nikuko-chan o Eiga Daisuki Pompo-san, entre otros. Obras que por el momento no están confirmadas en nuestro territorio pero que, visto lo visto, ahora mismo no podemos cerrar ninguna puerta. 

Un repaso a lo menos sonado de la temporada

Así, con un calendario primaveral de lo más ferviente siendo esta iteración —posiblemente— la más cargada en lo que a contenidos se refiere, volvemos a realizar esta sección que sabemos que tanto os gusta tras superar el ecuador de la presente temporada. Siguiendo el nuevo esquema que comenzamos el año pasado y teniendo en cuenta todos los títulos de esta —nuevas producciones o regresos de otras temporadas—, a continuación os presentamos nuestras recomendaciones para la temporada primavera 2021.

Recomendaciones de Edu

Mars Red — La nueva obra de Signal.MD es la enésima ficción donde se plantea una sociedad en la que letales criaturas vampíricas acechan en las sombras seducidas por el hedor de la sangre humana. Para acabar con ellas, el ejército decide crear un escuadrón especial formado por varios de estos vampiros, quienes han jurado perseguir a los de su propia sangre. Hasta aquí, Mars Red podría parecer otra de tantas series que ya han hecho esto antes; sin embargo, la excelente dirección del proyecto y las diferentes decisiones creativas que lleva a cabo son alicientes suficientes como para pasar por alto un planteamiento y unas temáticas excesivamente manidas. Porque a pesar de su manoseada premisa, la dirección de Mars Read exhala el lenguaje del teatro a través de una serie de recursos formales heredados del formato de origen de la franquicia —Mars Red nació como una obra de teatro de Bun-O Fujisawa—. Sólido en su conjunto, lo nuevo de Signal.MD prefiere posarse en el drama y en su elenco antes que en la acción; su ritmo sosegado fluye a través de una serie de composiciones y de un montaje que, por lo general, denota cierta alma de largometraje en su núcleo. Además, Mars Red, como ya hiciera NieR, hace de sus limitaciones técnicas una veta de opciones creativas que logra difuminar su restrictiva naturaleza. Y, eso, es algo de lo que pocas series pueden presumir. 

Megalo Box 2: Nomad — En 2018, Japón rendía culto a la emblemática publicación de Ashita no Joe con un anime original que, bajo el nombre de Megalo Box, se bautizaría como una especie de tributo a la obra de Ikki Kajiwara y Tetsuya Chiba. Pero, a pesar de su concepción inicial, Megalo Box trataba de moldear una identidad propia mientras se divertía ilustrando una serie de guiños aquí y allá. Años más tarde, TMS Entertainment regresa a la franquicia para concebir una secuela que, contra todo pronóstico, no busca estirar el chicle hasta comprobar cuán elástico puede llegar a ser. Su misión, su propósito creativo, es uno bien diferente. El equipo original se reúne de nuevo con una muy clara apuesta narrativa: destruir a su protagonista y hacerle renacer. Bajo una dirección sobresaliente y un conjunto técnico absorbente, esta nueva iteración se cimienta en una historia de redención personal, de caída y ascenso, con un tono más sobrio y derrotista —sobre todo en sus primeras entregas— que en su anterior temporada, que no duda en apoyarse en temáticas sociales para tomar impulsos narrativos tan bien ejecutados como inesperados y necesarios. La secuela de Megalo Box es, en general, una obra más madura y comprometida; un relato que transmite cercanía y humanidad, además de servir como ejemplo de que, cuando quiere, Japón también sabe tratar con gran acierto aspectos sociales como la inmigración y el racismo.  

SSSS.Dynazenon — Studio Trigger, heredero del espíritu de Gainax, estrenó hace tres años SSSS.Gridman, una producción que destilaba auténtico amor propio por referentes del tokusatsu como Ultraman. El intercambio de hostias entre kaijus y robots gigantes formaba parte del alma de la serie, pero su narrativa apuntaba hacia otros derroteros: la exploración de la psique de su elenco protagonista y, sobre todo, el juego de realidades e imaginarios que te tejían como una enorme telaraña sobre un tema de gran calado. La exploración y la superación del trauma. El equipo original de Gridman repite en una nueva iteración que expande la franquicia, sin llegar a ser una secuela estrictamente hablando. SSSS.Dynazenon mantiene el estilo y muchos de los elementos narrativos de su predecesora. Su universo es el mismo, y Trigger trastea constantemente con una serie de planos, composiciones y situaciones que evocan a Gridman y alientan a trazar teorías y paralelismos. Bajo una dirección muy en la línea de lo visto anteriormente, Dynazenon opta por un desarrollo más sencillo y directo, aunque no exento de incógnitas y elementos de sumo interés. Ideal tanto para quien ya conociera la franquicia como para quien se asome por primera vez, SSSS.Dynazenon es una iteración robusta y solvente, con un elenco sumamente interesante que se eleva como el eje sobre el que pivota todo lo demás. La demostración de que se pueden hacer cosas muy interesantes con una franquicia desligándose moderadamente de todo lo previo. 

Recomendaciones de Marisol

Higehiro — Nacida como novela ligera a través de la pluma de Shimesaba, ha sido su impulso y su eco en Japón lo que han hecho que Higehiro contase, esta temporada de primavera, con una adaptación animada en formato de serie a cargo de Manabu Kamikita y Project No.9. Un proyecto de lo más esperado que ha sorprendido —según apuntan aquellos que sí han podido acceder al material original— por la forma de trasladar el contenido original a la TV y, a expensas de llevar un ritmo más acelerado, saber narrar los puntos principales que confeccionan una historia de amor con dosis de drama, siendo la tragedia el elemento conductor en Higehiro. Una tragedia protagonizada, sobre todo, por el bueno de Yoshida y la introvertida pero entrañable Sayu. Alejada de los convencionalismos más tópicos de las «comedias románticas», Higehiro se postula en el medio bajo un prisma totalmente diferente. Un prisma que incluso ha conseguido dar la vuelta al género y a la propia visión nipona del amor. Un prisma que, según señalaba en mi crítica sobre la obra, convierte a Higehiro en un título progresista. Una obra que cambia algunos paradigmas demasiado arraigados al país del sol naciente y que incluso se atreve a defender temas escabrosos y mal parados como son la libertad y la aceptación personal.

Shadow House — Si la pasada temporada de invierno no escuchasteis o leísteis nada sobre CloverWorks, tranquilos, esta temporada tenemos un nuevo trabajo bajo su batuta. Aunque lejos de la desastrosa dirección de la segunda temporada de The Promised Neverland o el acelerado ritmo que llevó la adaptación animada de Horimiya, todo apunta a que en esta ocasión han querido medir mejor los tempos y dejarnos con una adaptación bastante correcta de Shadow House. El título que protagoniza su particular temporada de primavera y que, quizá, muchos de vosotros ya hayáis empezado con el material homónimo cortesía de Milky Way Ediciones. Una obra que nace de la pluma y el imaginario de Somato; mangaka que ha conseguido crear un universo fascinante donde la candidez de la protagonista choca con un entramado misterioso del que poco a poco vamos conociendo más detalles. Un escenario donde convivirán múltiples y diferentes muñecos vivientes —como Emiliko, nuestra protagonista— y sus correspondientes Shadow —como Kate, la sombra de Emiliko—. Una conjunción de identidades, misterios y multitud de secretos que irán confeccionando, poco a poco, una historia realmente original y muy disfrutable —también en su versión animada— gracias al trabajo de CloverWorks. Uno que en esta ocasión sí parece haber acertado con el contenido además de con el tono y puesta en escena depositados en la obra; unos que, sin duda, nos retrotraerán al ambiente y la escenografía conseguidas por Somato en sus páginas originales. 

Vivy: Fluorite Eye’s Song — El que fuera el padre en términos de animación de Shingeki no Kyojin nos ha dejado estos años con una cantidad algo menor de producciones. Algo que, para nada, está relacionado con la calidad depositada en ellas. Pues en ningún momento ha defraudado al espectador y, para sorpresa de todos, nos ha dejado con algunas de las propuestas más interesantes de 2020 y 2021. Hablamos de Great Pretender y la presente Vivy: Fluorite Eye’s Song. La nueva propuesta de Shinpei Ezaki (Hanebado!) escrita por Eiji Umehara (Donten ni Warau Gaiden) y el creador de Re:ZERO -Starting Life in Another World-, Tappei Nagatsuki, logra establecer un punto de conexión realmente interesante para todos aquellos que nos gusta ver acción y ciencia ficción bajo un mismo plano. Uno que, en esta ocasión, también cuenta con elementos que involucran a nuestra sociedad, el futuro de la misma y el desarrollo de un escenario en el que la humanidad podría llegar a desaparecer. Interesante cuanto menos; sobre todo cuando son los sueños de una IA los que harán avanzar el propio desarrollo de la obra. Un título de lo más disruptivo en el cómputo global de esta primavera capaz de conjugar las múltiples caras de un mismo dado haciendo viajar a sus personajes pero también a sus espectadores. Un periplo que durará un total de cien años cuyo destino ya ha empezado a cambiar.

Recomendaciones de Óscar

Blue Reflection Ray — Blue Reflection Ray podría no ser un anime de magical girls. Podría ser, sin muchas complicaciones, un slice of life corriente. Con una protagonista incapaz de establecer relaciones sociales y un casting variopinto formado por diferentes chicas con sus propias cargas personales, la trama de Blue Reflection se escribe sola. Con cierto aire a la saga Persona, su acción forma parte del escenario pero siempre como una extensión de su carga sentimental en tanto que las Reflectors —la forma de magical girls elegida para la obra— se encargan de proteger o extirpar, según su bando, los sentimientos de otras chicas consumidas por sus desasosiegos. Un concepto que si bien no resulta especialmente novedoso se combina con el carácter de sus personajes para realizar un importante trabajo introspectivo tocando una y otra vez muchos de los problemas que forman tormentas en nuestras mentes y amenazan con arrastrar nuestra estabilidad emocional. Una serie de compases lentos y tópicos extendidos que arrastra cierto sabor clásico y que consigue conectar a través de sus avatares y como sus vidas se ven arrastradas constantemente al caos emocional que lleva consigo la adolescencia. Parte de tormenta y parte de bálsamo, Blue Reflection Ray añade un rasgo de fantasía y realismo épico a situaciones en las que muches nos hemos visto envueltes en uno u otro momento.

86 «Eighty Six» — Los futuros distópicos siempre están a la orden del día. Da igual en qué momento leas estas líneas. Pero si algo los consigue diferenciar es la forma en la que decidas orientar su desarrollo. Algo que Asato Asato tiene muy claro en su propuesta narrativa para 86 —Eighty Six— y que A-1 Pictures ha conseguido permear en su adaptación para ofrecernos una disruptiva caótica donde utopía y distopía se tocan y se separan por una delgada línea. Una representación del fascismo institucional en el que los ciudadanos de 85 estados de la república viven en las sombras de la paz mientras que los Eighty Six arriesgan sus vidas en una constante batalla contra los autómatas del enemigo. Una discusión abierta sobre la imagen del racismo y los conflictos bélicos que pone por estandárte a un grupo de personajes rotos al mando de su dinámica. Con la creciente relación entre Lena, una capitana de la república a favor de los derechos de los Eighty Six y Shin, líder de un escuadrón suicida en busca de su hermano perdido, la propuesta distópica de esta temporada guarda algunos ases bajo la manga con la detestable capacidad de convertir a sus protagonistas en constantes bombas emocionales dispuestas a estallar y arrasar todo cuanto abarquen. Un título tan humano como cruel que juega al borde del filo en cada entrega. 

To Your Eternity — To Your Eternity tenía todos los puntos para entrar en las recomendaciones de gran parte del medio. Su adaptación es una de las más esperadas del año y enfrentarse a ella totalmente a ciegas ha sido una experiencia más que notable. Con un inicio emocionalmente demoledor, su historia nos pone en la piel de un ser inmortal en un viaje sin un objetivo claro más allá del de vagar a lo largo y ancho del mundo para descubrir sus secretos. To Your Eternity es una obra de silencios, de pausas y de entendimiento. Cada nuevo paso para Fushi —su protagonista— es un pequeño halo de luz que ilumina un mundo y una historia de la que que si, como yo, partís de cero, se antoja desde un principio como una inmensidad embargada en sombras. Un relato que rompe con muchas de las ideas predominantes en el medio y que se alimenta de su producción para desatar una narrativa que hace de lo sentimental un arte y del sufrimiento una constante. Pero tras su crueldad oculta una historia repleta de luces que dan vida a personajes tan carismáticos como fuertes y un misterio que sirve de guía y acompañamiento a cada capítulo. No hay nada como adentrarse en una obra que hace del descubrimiento su guía y compás.

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Equipo El Palomitrón Anime