Isabel Coixet estrenó la semana pasada su nueva película Nieva en Benidorm, la cual supone un tributo a la ciudad alicantina y a las ironías que preceden su fama. La directora catalana, de gran fama internacional, ha vuelto a la gran pantalla este año. Ella, caracterizada siempre por hacer del cine un encuentro íntimo, sensible y profundo, con un enorme respeto al medio y una especial glorificación al trabajo del cineasta.
Coixet es directora, y guionista. Siempre se ha sentido más cómoda dirigiendo películas que ella misma ha escrito, pues profesa un enorme respeto al trabajo del guionista, y se resiste a modificar elementos de la obra original. Eso la hace, si cabe, aún más sensible y demuestra mantener esta sensibilidad trabajando con guiones que no son de su autoría. Su estilo ha ido evolucionando y depurándose con el tiempo, pero mantiene claves reconocibles a lo largo de su filmografía que hacen a esta directora tremendamente identificable. La atmósfera sensitiva que genera Coixet en sus películas le ha valido su reconocimiento en todo el mundo.
Después de más de 20 largometrajes de ficción, multitud de documentales y otros proyectos repasamos los puntos clave de su cine. La forma en la que Isabel entiende y concibe el mundo, y mediante qué elementos manifiesta su disconformidad o acuerdo con él.
LOS TEMAS QUE EVOCAN LA SOLEDAD
Coixet siempre argumenta que sus películas hablan sobre como sus personajes afrontan la soledad. A veces, simplemente los personajes son seres incomprendidos, perdidos, sin rumbo (Nieva en Benidorm, 2020), pero en otras ocasiones, por extensión, encontramos un tratamiento acerca de la muerte o la amenaza de esta o del amor o la ausencia de él.
La soledad en sus películas funciona como vehículo de conocimiento del propio yo. Los personajes se encuentran rodeados de gente, pero profundamente solos. Se encuentran en una situación que deben afrontar por ellos mismos sin ayuda (Mi vida sin mí, 2003) o en un entorno que no les pertenece (Mapa de los sonidos de Tokio, 2009). En este aislamiento encontramos un amor complicado, lleno de obstáculos, que requiere un profundo proceso de reflexión (Cosas que nunca te dije, 1996) o un desamor que abandona a los personajes. Este amor puede incluir una componente sexual, pero sobre todo se transmite a través de los detalles, las miradas, las caricias, los abrazos.
Por otra parte, el tema de la muerte como instrumento de aislamiento, que destroza a los personajes y los aleja del mundo real (Ayer no termina nunca, 2013). Lo que debería deshumanizarlos, los hace en parte más humanos. La inclusión de este concepto hace que los personajes y el espectador, como conclusión, deseen vivir una vida con más intensidad.
Otro de los elementos que magnifica este clima de soledad es la forma en la que los personajes de sus historias se comunican. Solo en sus títulos ya podemos apreciar esa preocupación por el lenguaje (La vida secreta de las palabras, 2005; Cosas que nunca te dije, 2003)
Los personajes suelen comunicarse en silencio, mediante iradas o gestos que son capaces de transmitir más que las propias palabras, que en muchas ocasiones suponen una barrera. Como en la vida misma, los mensajes se quedan en el camino. Encontramos numerosas situaciones en las cuales los mensajes no llegan a su receptor, se malinterpretan o no surten el efecto buscado.
VIDAS COTIDIANAS. EMOCIONES FAMILIARES
Habitualmente el cine de Isabel Coixet muestra debilidad por narrar la vida de personajes de clases bajas. Son personajes condenados, sin fe en Dios ni en las instituciones. Coixet maneja con delicadeza el origen de sus personajes, que es humilde como lo fue el de sus padres. La directora utiliza la ironía para humanizar los aspectos más tristes de las vidas de estas personas y que asumamos con cierto optimismo un entorno social menos favorecido.
En sus últimas películas, sin embargo, el perfil del protagonista es ligeramente diferente, existen otras preocupaciones más concretas, más allá que sobrevivir, y no necesita recrearse en la miseria económica para que los personajes nos produzcan una ineludible compasión (Nieva en Benidorm, 2020; Foodie Love, 2019; La librería, 2017).
Una parte del cine de Coixet se centra en generar empatía a través de la reproducción de la vida cotidiana de los personajes. Como éstos afrontan su día a día. Los personajes comen, duermen, van al trabajo, ejecutan acciones que pese a su convencionalidad están cargas de identificación. Son personajes que se consideran complicados, incomprendidos, y a través de estas acciones consiguen humanizarse a ojos del espectador.
Sus películas siempre están rodadas en localizaciones reales. Es extraño que se recurra al plató por cuestiones narrativas. Para Coixet, el escenario real es un símbolo en sí mismo, y admite un sinfín de posibilidades que aportan verosimilitud.
CONCIENCIA SOCIAL. ACTIVISMO AMBIENTAL Y FEMINISMO
Los alegatos feministas son frecuentes en su cine. Pero los introduce de una forma elegante e ingeniosa, rara vez directa. Genera un subtexto que hace que en la mayor parte de sus películas el peso de la narración descanse sobre una mujer, o varias. No se relega el papel femenino a un segundo plano, sino que se dignifica su presencia, compleja, y real (Elisa y Marcela, 2019). Consigue mostrar unas inquietudes que a día de hoy son más actuales que nunca.
Isabel Coixet también se encuentra sensibilizada con la lucha por el medio ambiente y las injusticias sociales, que manifiesta a través de cortometrajes y documentales (Marea blanca, 2012; Escuchando al juez Garzón, 2011). Realizando así una labor de activismo a través de propuestas que plantan cara al sistema de una forma más o menos sutil. El cambio climático en La vida secreta de las palabras, o la crisis económica en Ayer no termina nunca son algunos de los casos en los que la directora deja entrever sus preocupaciones en sus obras de ficción.
REFERENTES FÍLMICOS, LITERARIOS Y MUSICALES
Coixet cuenta entre sus referencias a figuras internacionales como Wong Kar-wai o Aki Kaurismäki. Pero también a cineastas como Agnès Vardá o iconos del cine independiente como Jim Jarmusch, Gus Van Sant o John Cassavetes. Precisamente la admiración hacia este último radica en la capacidad para dar la impresión de que nada está preparado. Como si el director diera total libertad a los actores para asumir sus papeles. Coixet recoge el legado de Cassavetes haciendo que sus actores generen el personaje a medida que estos actúan.
De Wong Kar-wai recoge esa obsesión por el mundo asiático y un interés por la comida. Qué comen sus personajes y cómo, como elemento definitorio. En el cine de Kar-wai el oficio del personaje ayuda a crear una imagen acerca de su personalidad y clase social. Son elementos que motivan su evolución y ayudan a entender sus orígenes y expectativas. A Coixet, al igual que el hongkonés, le interesan los secretos y los misterios. Los personajes llevan dobles vidas, su mundo interior es muy diferente a como se comportan en el mundo externo. Existe en sus películas, un rechazo hacia lo obvio y fácil, pero sin embargo se cuida mucho la puesta en escena. El espectador debe ser inteligente, atento y activo.
Por otra parte, el cine de la catalana se encuentra plagado de referencias literarias. Consigue llevar a la pantalla citas de libros o sentimientos que sólo son capaces de transmitirse mediante el papel. Destacan, como inspiración, autores como Richard Ford, Raymond Carver, Bioy Casares o John Berger. La literatura ha enseñado a la cineasta a ser inagotablemente intensa utilizando pocos elementos.
Los referentes musicales también se encuentran presentes en su filmografía. Acompañando a sus personajes o creando un entorno propicio a la identificación, que rompe el tenso silencio que las escenas crean. Algunos como Tom Waits, Joe Jackson, Russian Red o Anthony and The Johnsons.
UNA IMAGEN SENSITIVA Y SENSIBLE
La dirección de fotografía del cine de Isabel Coixet (la mayoría a cargo de Jean-Claude Larrieu), se caracteriza por una especial atención al detalle. Sus imágenes mantienen un tono realista, a veces naturalista y lucha por perseguir gestos y miradas. Abunda el uso de los primeros planos, que sean capaces de captar las reacciones de los personajes y ocupar la pantalla cuando no existe diálogo.
Además, encontramos un uso retirado de la cámara al hombro, la cual suele operar ella misma. Isabel de esta manera, se acerca más a los actores y se coloca directamente en el ojo del espectador. La psicología de la cámara es un elemento recurrente en su cine. En Mi vida sin mí, la cámara al hombro solo es utilizada cuando el personaje es consciente de que la muerte está cerca.
Por otro lado, un elemento que acompaña a la fotografía y que tiene más que ver con el diseño de sonido es el uso de la voz en off. Sus personajes, solitarios y reflexivos, utilizan este recurso para expresar sus pensamientos de forma directa, como si nos encontráramos dentro de sus cabezas. La voz en off tiene relación directa con lo que se muestra en pantalla y refuerza la potencia de las imágenes.
Isabel Coixet es actualmente uno de nuestros mayores referentes nacionales en el cine internacional, a la altura de Pedro Almodóvar o Alejandro Amenábar. Ha conseguido mantenerse fiel a un estilo más europeo, tratando de alejarse de los estándares hollywoodienses y ha conseguido hacerse con una filmografía de enorme valor fílmico. Coixet es una directora para la que el concepto de cine poético se redefine y cobra un valor particular. No consiste en un cine complejo, lleno de metáforas enredadas o tributos a grandes filósofos que solo una parte del público puede llegar a entender. Todo está implícito, es reflexivo y al mismo tiempo accesible. No busca pretensiones, es directa, sencilla, sensible y cuidadosa en su forma, pero sobre todo muy sincera.
Pablo Sánchez
