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GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA

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Ghost in the shell en El PalomitrónResulta muy complicado encarar la crítica de Ghost in the shell: el alma de la máquina aislándose por completo del universo manga que hace casi tres décadas alumbró Massamune Shirow, y que en 1995 fue convertido en anime por Marmoru Oshii. Porque es imposible renunciar a las fuentes cuando hablamos de un remake, pero en el caso de la serie Ghost in the shell la cosa va a más. Porque hablamos de una de las catedrales del cyberpunk, un subgénero de la ciencia ficción que proyecta escenarios en los que la tecnología ha experimentado una progresión abrumadora, instalándose en el día a día de sociedades despojadas de sus valores humanos a nivel colectivo, y normalmente dirigidas en la sombra por las corporaciones o conglomerados titulares de esa tecnología. Como señalamos, no hay que perder de vista los orígenes de esta arriesgadísima adaptación, pero tampoco hay que olvidar que Ghost in the shell: el alma de la máquina es un producto de Hollywood, armado y facturado para llegar al máximo público posible, más allá de los exigentes conocedores de su universo original, sin duda un punto de inflexión (siguiendo los pasos de Akira) en la historia del cine de animación japonés y en la ciencia ficción en general si nos detenemos a estudiar su posterior repercusión. No es por tanto nada descabellado adivinar el festival de opiniones y reacciones tan polarizado que está a la vuelta de la esquina, y así mientras los fans de la saga cargarán las tintas contra esta versión “para todos los públicos” del anime de Marmoru Oshii, los neófitos o aquellos espectadores que no estén para dilemas existencialistas demasiado complicados la van a gozar devorando palomitas a ritmos forzados.

Ghost in the shell en El PalomitrónPara los recién llegados (la mayor parte del público potencial, no nos vayamos a engañar), Ghost in the shell: el alma de la máquina es un poliedro dotado de caras totalmente disfrutables. El diseño de producción es excelente, un patio de recreo para la vista (qué bien sienta al cine siempre la cultura japonesa) en el que el barroquismo digital que domina la metrópoli contrasta con el obligatorio aislamiento de los personajes, marca de la casa del subgénero, que a través de sus miradas y sus diálogos descubren el nihilismo que embarga sus vidas. Sus personajes, hábilmente construidos, superan con nota las expectativas y cuentan con el trabajo de una formidable Scarlett Johansson perfectamente arropada por Pilou Asbæk, todo un acierto de casting que interpreta a Batou, y por Takeshi kitano, una leyenda viva en japón que da vida a Arakami, jefe de ambos, director de la sección 9, y pastor de la manada, pero también lobo experimentado (y muy aventajado) cuando la situación lo requiere. Si a esto le sumamos la efectiva, y sorprendente (por lo inesperado) dirección de Rupert Sanders (que esta vez no se ha enrollado con su prota, al menos que sepamos…), que imprime un ritmo a la cinta bastante serio sin perder de vista los guiños existencialistas del relato; y la partitura de Johnny Well, que mezcla la tradición japonesa con la fuerza de los sintetizadores, lo que tenemos es uno de los blockbusters más sugestivos de los últimos años.

Ghost in the shell en El PalomitrónPara lo conocedores y fans del universo que adapta la película, formado por mangas, animes, y hasta juegos de ordenador, Ghost in the shell: el alma de la máquina puede suponer perfectamente una pedrada en la cara si no se tiene en cuenta la naturaleza comercial de la cinta. Una naturaleza que pese a respetar muchos detalles presentes en el anime de Marmoru Oshii (esos maletines multiuso que ya nos gustaría llevar al trabajo a más de uno, especialmente a la vuelta de vacaciones), reproducir con gran fidelidad algunas de las secuencias más recordadas (la persecución que concluye en una extensión urbana llena de agua), o directamente clonar momentos míticos (Major dejándose la piel, literalmente, en su enfrentamiento con el tanque araña), decide ir por libre. Porque introduce decenas de elementos nuevos, fusiona personajes y modifica la historia para que el complicadísimo manga original pueda ser masticado por el gran público, y en estas lides los grandes estudios tienen ya mucha experiencia, siendo capaces de moldear las fuentes de sus películas a su antojo si con ello se maximiza la rentabilidad de la inversión.

Ghost in the shell en el PalomitrónPero lo que es plenamente remarcable de Ghost in the shell: el alma de la máquina, es su indiscutible posición angular dentro del género de la ciencia ficción, y hablamos de angular porque pese a que la cinta de Ruperts Sander se estrena en 2017, adapta una obra de 1995 que (re)visionada hoy en día servirá de maravilla al espectador (todos tranquilos si necesitáis más de un visionado para entenderlo todo) para comprobar cómo el cine se alimenta del cine de manera constante para buscar nuevos caminos con elementos ya existentes en otros relatos. Así, la influencia visual de Blade Runner (Ridley Scott, 1982) es innegable, como también lo es el tratamiento de la integración hombre máquina a base de prótesis corporales que abordaba Robocop (Paul Verhoeven, 1987). Pero como título bisagra también ha servido para que otras catedrales del género como Matrix (Lana y Lili Wachowski, 1999) beban de su planteamiento endógeno, aquel que recurre al uso de las máquinas para mejorar o desarrollar el potencial humano, para vertebrar su propio discurso y formular nuevas preguntas al espectador.

En cualquier caso, y con la alargada sombra que planea sobre Ghost in the shell: el alma de la máquina, será tarea del espectador decidir si se entrega a la propuesta de este remake, o si por contra prefiere implosionar en la butaca con el festival de cambios que se introducen respecto a la obra original. De él depende que las últimas escenas de la película signifiquen el final de una cinta que nunca debió rodarse o el comienzo de una nueva franquicia.

LO MEJOR:

  • Visualmente es apabullante.
  • Scarlett Johansson se emplea a fondo para cumplir con la papeleta.
  • El ritmo de la película: consultaréis muy poquito (o nada) el reloj.

LO PEOR:

  • El arco narrativo no es perfecto, y su final / presentación puede parecer precipitado.
  • El cabreo, casi asegurado, que muchos aficionados acérrimos van a experimentar visionando la cinta.

Alfonso Caro

VISITA AL RODAJE DE LA LLAMADA, LA OBRA DE TEATRO QUE SE ADAPTA A LOS CINES

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rodaje-palomitronDesde El Palomitrón tuvimos la oportunidad de visitar el último día de rodaje del musical La llamada, trasladado ahora a la gran pantalla. Nos fuimos a hablar con todo el equipo del filme al Campamento Alto del León, ubicado en un frondoso paisaje segoviano lleno de cabañas, transformado para la ocasión en el ficticio Campamento La Brújula. ¿Os suena de lo que hablamos? Y es que lo que comenzó como una pequeña obra de teatro en el hall del Teatro Lara de Madrid el pasado 2013 (función que aún sigue en cartel y llenando aforo en la sala principal ideada por los actores Javier Ambrossi (Sexykiller, morirás por ella) y Javier Calvo (La viuda), ha pasado a ser un proyecto audiovisual con el que todos están muy contentos.

En la película aparecen los actores que en un principio estaban en las funciones (que más tarde tuvieron que abandonar por otros proyectos y ser sustituidos): Belén Cuesta (Cigüeñas), Macarena García (Palmeras en la nieve), Anna Castillo (El olivo) y Gracia Olayo (Ahora o nunca) con sus mismos papeles: la hermana Milagros, María, Susana y Bernarda de los Arcos, respectivamente. El papel de Dios (como ha sido desde la primera temporada de la obra) es de Richard Collins-Moore (Nacidas para sufrir).

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“Esto es una carta de despedida al proyecto más importante de nuestra vida”, reconoció emocionado uno de los creadores del proyecto. Han reconocido que recibieron propuestas para transformar La llamada en una serie televisiva, y llegaron a escribir bastantes capítulos, pero cuando les surgió la idea de la película fue la que más les convenció, debido a la potencia de los personajes. “Esta historia hay que contarla de forma concreta y no hay que estirarla; es como una explosión de confetis que se ve una vez, termina y te da mucho subidón”, dijo Ambrossi.

rodaje-palomitronUn proyecto para todos los fans de la obra y para aquellos que aún no la hayan descubierto. “La película es bastante fiel a la obra, aunque hay muchos elementos novedosos, como personajes, canciones y tramas nuevas, además de aspectos que se cuentan sobre las tablas y que ahora en la película se podrán ver”, afirmó Javier Calvo. El equipo de La llamada ha hecho el ejercicio de desmenuzar toda la obra y recolocarla en todos los puntos que en el teatro el espectador no ve, pero que sí ha imaginado, como por ejemplo la soledad de sus cuatro protagonistas: Susana, María, la hermana Milagros y Bernarda de los Arcos. En el teatro es complicado plasmar esa intimidad, esa nostalgia, ese sin rumbo que hay en sus vidas, y ahora con el filme en un campamento real vacío sí es posible. Además, el público va a poder poner cara a personajes de los que se hablan en el teatro, como Sor Paquita. “Hay gente que ha repetido y ha visto más de una vez la obra y se imagina a esos personajes, esa discoteca… que ahora podrán ver. Va a ser muy emocionante”, contó Macarena García.macarena-palomitron

“Al principio fuimos por un camino , ero nos dimos cuenta que ya teníamos la película hecha, que solamente colocando los personajes en entornos reales ya te daba mucho cine”, explicaron los Javis, nombre que utiliza todo el equipo de forma cariñosa para hablar de los dos directores.

Los actores se sintieron muy emocionados en este encuentro con la prensa y, como dijo Gracia Olayo, llevan tres años haciendo una misma función. “Para mí, y creo que para todos, es la primera vez que llevo una misma obra de teatro al cine, y ha sido una experiencia extraordinaria”. Richard Collins-Moore, el personaje de Dios (uno de los que aún sigue función tras función en el elenco teatral), asegura que la película ha sido un reencuentro con los inicios de La llamada, con sus antiguas compañeras. Una adaptación que ha renacido la intimidad de las primeras funciones del hall del Lara, dijo Belén, puesto que “la cámara también es intimista como lo es esa sala. Ha sido bonito adaptarlo, porque es una carta de despedida y un guiño a esas primeras funciones para un público muy reducido”.rodaje-palomitron

A pesar de que todo el elenco tenía un 90 % del papel aprendido, los directores reconocen que, aun así, los actores le han sorprendido, ya que han visto que han dado un paso más a los personajes. “No pensaba que los personajes pudieran contar algo más, y la película me ha sorprendido, me ha llevado a sitios… como si no la hubiera visto nunca. Me ha hecho sentirla por primera vez y creo que todos han matizado los personajes de una forma distinta, y eso lo va a agradecer mucho el espectador”.

Entre las anécdotas de saberse ya el papel, Anna Castillo reconoce que a veces pensaban que estaban encima de las tablas. “Esperaba las pausas”, o Belén Cuesta se ponía en postura teatral. “Ha sido muy interesante venir al rodaje para romper esa cuarta pared del teatro sin reacción del público”, reconoce Calvo. Por su parte, Anna expresó que vuelve a verle el sentido a la obra, puesto que a veces repetir una misma palabra tantas funciones hace que dejes de percibirlo, pero que, de repente, el trasladarse a un escenario real le ha hecho darse cuenta de lo que le pasa a su personaje, Susana.llamada-palomitronEn cuanto a la presión de la película, todos reconocen que existe, ya que si no sale algo del todo bien en una función, al día siguiente se cambia, pero en una película se termina de rodar y así se queda. Pero, a la vez, dicen que esta presión es de la buena, puesto que es una oportunidad grande, y con intuición y confianza en uno mismo se consigue. “Una película es el resultado de quién eres ahora mismo, de quién has decidido rodearte; la peli es la suma de este equipo. Hay presión, pero me da igual, porque va a ser lo que tiene que ser”, aseguró Ambrossi. Por su parte, Calvo afirmó que ya son muchos años con La llamada y eso incrementa la presión, porque hay que ser más exigentes, puesto que ya han visto lo mejor que se puede hacer. Los actores tienen plena confianza en los Javis y, además del cariño que sienten todos por la pareja, quisieron resaltar que son unos chicos muy profesionales, que se lo trabajan y que siempre quieren hacer las cosas bien. Entre lagrimas, Macarena García quiso recordar el mensaje de la obra, que pone el énfasis en ser uno mismo y buscar lo que uno quiere. Macarena añadió que los Javis les han enseñado esta premisa como actores y personas de verdad.

Mejoras de la obra de teatro, sencillez y confianza son los ingredientes que Ambrossi y Calvo han sabido exprimir para dar lugar al largometraje, que se estrenará en 2017. Esta aventura tan especial para ellos se acaba con este largometraje. Un regalo final que ha cambiado la vida de todo este equipo artístico a nivel laboral y de aprendizaje. La llamada es una verdadera lección de que, cuando uno se compromete con algo en lo que cree, funciona.

María Páez

LA ADAPTACIÓN CINEMATOGRÁFICA DE LA LLAMADA YA TIENE FECHA DE ESTRENO

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Cuando La Llamada subió el telón en 2013 en el teatro Lara de Madrid, tanto sus creadores como sus protagonistas eran unos rostros televisivos con mucho futuro por delante. Cuatro años después, los Javis (Calvo y Ambrossi) se han labrado un hueco por derecho propio. Tienen talento, no hay duda, para hacer lo que ellos quieran. Para muestra, la adorable Paquita Salas de Flooxer. El musical sigue siendo todo un fenómeno escénico aclamado por el público juvenil (y no tanto). ¿Quién puede rendirse ante su explosivo mix de fe, rock, Presuntos Implicados, comedia, frescura y electrolatino?. Incluso ha viajado por México y Argentina. Tal ha sido el éxito de la obra, vista desde su estreno por más de 150 000 espectadores, que pronto dará el santo a la gran pantalla. Como han adelantado los jóvenes directores a través de las redes sociales, su primer largometraje llegará a los cines el 29 de septiembre.

Gracias al filme, además, el reparto original del montaje vuelve al campamento La Brújula tras años de ausencia. Son Macarena García (Blancanieves), Anna Castillo (El olivo), Belén Cuesta (Kiki, el amor se hace) y Gracia Olayo (Balada triste de trompeta). Ellas ya abandonaron hace tiempo el cartel del teatro pero se han reencontrado con unos personajes a los que siempre han asegurado tener especial cariño. “El proyecto de mi vida”, ha escrito Macarena García en su perfil de Instagram junto a una de las primeras imágenes de la adaptación. Y no ha sido la única fotografía. Sus compañeras, además de Calvo y Ambrossi, no han podido resistirse tampoco a avanzar en primicia un pequeño aperitivo.

La Llamada cuenta la entrañable historia de María Casado (García) y su amiga Susana (Castillo), dos adolescentes que desean convertirse en estrellas de la música. Al llegar al campamento La Brújula ven tambalearse sus creencias y sus sueños. Eso sí, acompañadas de una pegadiza banda sonora.

María Robert

ESPECIAL BATES MOTEL: ANTICIPANDO LOS PASOS DE PSICOSIS

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El cine de terror no goza de buena salud en los últimos tiempos. No faltan títulos que llegan de forma intermitente a nuestras pantallas y sin embargo carecen de calidad e inventiva suficientes para sorprendernos (que nos perdonen Martyrs, Babadook y los Warren, no va por vosotros). Por lo general todo lo que vemos en las pelis de miedo actuales está ya muy trillado. Sin embargo (y por fortuna), la aparición de otro tipo de ficciones basadas en cintas pioneras del género refrescan el espíritu de clásicos que no solo han sentado unas cuantas bases del cine de suspense, sino que además han marcado la historia del Séptimo Arte para siempre. Hoy hablamos de Bates Motel como precuela y sucesora de Psicosis de Alfred Hitchcock, una película que sorprendió en su época y logró revolucionar la forma de concebir el cine que se tenía hasta la fecha. Novedades tales como matar a la protagonista a mitad de metraje o pedir expresamente que no se dejase entrar a nadie en la sala una vez la proyección hubiera comenzado, afianzan a Hitchcock como el maestro del suspense y lo convierten en digno protagonista de este especial que no es una revisión de Bates Motel, sino una recopilación de curiosidades, paralelismos y homenajes que hace la serie a la obra primigenia.

 

La casa en la colina

La lóbrega y solitaria mansión victoriana coronando la colina se ha convertido tanto en símbolo como en enclave inspirador de innumerables películas de terror. Uno de los factores imprescindibles para la producción de Bates Motel fue recuperar los planos del set original de Psicosis y reconstruir una réplica exacta en la nueva localización de rodaje (Canadá). Es importante destacar que pese a transcurrir la serie en la actualidad se han respetado los decorados interiores originales, consiguiendo dar junto al vestuario retro de los personajes principales, el aspecto de que estén anclados en los años sesenta como la cinta que los inspira.

Por otro lado, el motel sigue siendo un sencillo edificio de una sola altura en forma de “L” con doce habitaciones más la recepción. La única diferencia es que en Psicosis había un pequeño escalón para acceder a las habitaciones que en la serie se ha suprimido. También se ha cambiado la localización: Mientras que en la película el motel y la casa se encuentran en Fairvale (California), en Bates Motel la acción transcurre en White Pine Bay (Oregón). Ambas son localizaciones ficticias.

Además, como dato curioso, Psicosis fue la primera película americana en la que se mostró un inodoro en pantalla. La escena en la que Marion Crane (Janet Leigh) se deshace de unos papeles tirándolos por el retrete tuvo lo suyo con la censura, y en Bates Motel han querido preservar el guiño haciendo alusión en más de un diálogo a que no les funciona la cadena.

Norman y la taxidermia

Una de las rarezas de Norman Bates es su dedicación a la taxidermia como hobby. La recepción del motel en concreto está llena de aves que él mismo ha disecado. Además de sugerir una pista velada del siguiente largometraje de Hitchcock (Los Pájaros, 1963) es bastante significativo que Norman manifieste en el film su disgusto ante la disección de otro tipo de animales. En concreto comenta que no entiende cómo hay gente que puede disecar perros. Este detalle resulta curioso cuando vemos que en Bates Motel, tras morir Juno (mascota canina de Norman) la lleva a la tienda de antigüedades del padre de su amiga Emma, Will Decody (interpretado por Ian Hart aunque en posteriores apariciones fue sustituido por Andrew Howard) para que este, que es taxidermista, la conserve. La serie por tanto ha querido dar origen al interés de Norman por este peculiar pasatiempo. En posteriores capítulos podemos verlo rellenando pájaros en el sótano de la casa.

Mother

Norma y Norman son el corazón y motor que hace funcionar el engranaje de Psicosis y sobre todo de Bates Motel. Madre e hijo forman un equipo de dos, un núcleo familiar indisoluble (literal y figuradamente), y su protagonismo en la ficción televisiva está tan repartido como disociada está la personalidad del joven Bates. Como precuela, la serie nos abre la puerta a explorar la semilla que ha ido germinando en Norman hasta convertirlo en el depredador que es. Gran parte de este trauma deriva de Norma como figura omnipresente y dominante en la vida de su hijo. La serie ha dibujado como trasfondo complementario a la obra original, una relación que juega en todo momento con los límites materno-filiales. Tanto la idolatría que profesa el protagonista hacia su madre (llegando incluso a fantasear con ella), como la sobreprotección de esta hacia él son de lo más perturbadoras. Es una especie de complejo de Edipo extensible a Norma, que si bien es la que primero frena actitudes que sabe moralmente reprochables, incentiva (de forma ya sea consciente o inconsciente) la confusión de su hijo. La mujer se pone especialmente arisca cada vez que Norman sale o se fija en alguna chica. En esos momentos se deja ver a la Norma más oscura, esa que transmite la misma sensación de opresión que experimentaba el siempre sumiso Norman en Psicosis. La quinta temporada de Bates Motel está resultando bastante interesante porque al aparecer Norma (enorme Vera Farmiga en todas las facetas del personaje) como proyección mental de Norman, se acerca mucho más a esa agresividad, maldad y descontrol característica de la original. Ella simboliza las garras de las que Norman no puede escapar. La detesta por hacer de él un títere pero al mismo tiempo jamás se alejaría de su lado.

La locura de Norman

Norman Bates sentó en 1960 el precedente de toda una serie de películas inspiradas en psicópatas y asesinos en serie. Este personaje (que se inspira a su vez en el caso real de Ed Gein) posee a simple vista un carácter amable, tímido y algo raro pero encantador. Freddie Highmore (¡cuánto ha crecido desde que consiguió el billete dorado en Charlie y la fábrica de chocolate!) que interpreta la versión adolescente de Norman en Bates Motel, no pretendía hacer una imitación del inolvidable Anthony Perkins, y aún así logra ser el perfecto sucesor. Fue la propia Vera Farmiga quien lo propuso para el papel y no podría haber tenido mejor ojo. La tercera y cuarta temporada de la serie representan el clímax en el trastorno de Norman (a estas alturas ya comienza a echar mano del ropero de su madre a menudo), el cual desde los blackouts de la primera temporada, va in crescendo hasta darnos sus minutos más impactantes y sublimes. Destacamos el capitulo 2×10 donde después de someterlo a un detector de mentiras, Highmore recrea a la perfección la inquietante sonrisa que nos heló la sangre en la última escena de Psicosis. Si no os lo creéis, juzgad por vosotros mismos.

La mecedora

Cuando en la película de Hitchcock Lila Crane (Vera Miles) descubre el cuerpo de la fallecida Norma en el sótano de la casa, esta se encuentra sentada en una mecedora que aparece indirectamente en unos cuantos planos de Bates Motel. De hecho el famoso mueble de madera tiene un especial protagonismo en los tétricos pósteres e imágenes promocionales de la quinta (y última) temporada.

Pero este no es el único objeto rescatado de Psicosis: En el primer capítulo de la serie Norman escucha en su iPod Eroica de Beethoven.  Esta misma sinfonía aparece en el vinilo del tocadiscos de su habitación en la película.

Por último también hay una matrícula de coche reutilizada. En Psicosis la matrícula NFB 418 pertenece al coche de Marion. En Bates Motel su propietaria es un personaje distinto, pero acaba siendo igualmente víctima de Norman y el vehículo hundido en un lago.

Marion Crane

En ambas versiones Marion (Rihanna toma el relevo a Janet Leigh en el afán de los creadores de Bates Motel por darle una vuelta de tuerca al personaje, empezando por su apariencia) es una secretaria insatisfecha con su vida que decide un buen día desaparecer con un sobre lleno de dinero que le han dado en la oficina y que debía gestionar. La mujer mantiene una relación secreta con Sam Loomis, hombre divorciado en Psicosis y casado en Bates Motel (este cambio trae cola en el arco argumental de la serie. Además no es la primera vez que la pareja visita el motel).

Dinero “en mano”, Marion conduce hasta el Bates en una desapacible noche (la música escogida en Bates Motel para esta escena es todo un homenaje destinado a crear el ambiente de tensión que creó en su día su predecesora) y espera bajo la lluvia hasta que Norman baja de la casa disculpándose por no haberla oído llegar. Le da la habitación número uno (la más cercana a la recepción) y ella firma en el registro del motel como Marie Samuels. Después el anfitrión le prepara un sándwich para cenar y hablan sobre sus pájaros disecados. Norma lo presencia todo desde la ventana del mismo modo que Norman espía a su nueva huésped mientras se cambia a través de un pequeño orificio en la pared (que no es la primera vez que aparece en la serie). Hasta el más mínimo detalle está cuidado y calcado. Entonces por fin Marion decide darse una ducha y todos nos ponemos a temblar, preparados para lo que va a pasar. Pecamos de incautos y de simples. Nunca se debe subestimar una serie como Bates Motel, que con este capítulo tan crucial ha demostrado que lo que pretende es homenajear, no copiar. Así que tenemos escena de la ducha y planos de la víctima exactos a los de Psicosis solo que… no todo sucede como pensábamos.

Después de ver el giro que ha terminado dando el solapamiento serie/película, solo tenemos ganas de que llegue la semana que viene. Y la siguiente. Y también la próxima para ver cómo cierran esta serie basada en una de esas joyas cinematográficas que hay que ver al menos una vez en la vida.

Aitziber Polo

ROONEY MARA ES OBSERVADA EN EL TRÁILER DE A GHOST STORY

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Rooney Mara - El PalomitronTras su presentación el pasado 22 de enero en el Festival de Sundance, A Ghost Story, la nueva película escrita y dirigida por David Lowery (Peter y el dragón) no ha dejado de recibir elogios y A24 (La bruja, Ex Machina) no ha tardado en comprar los derechos de distribución de la cinta.

Protagonizada por Rooney Mara, que este año estrenará también las esperadísimas Song to Song, The Discovery y Mary Magdalene, y el último ganador del Oscar Casey Affleck, la cinta supone el reencuentro entre ambos actores con el director tras la muy notable En un lugar sin ley hace cuatro años. En A Ghost Story un músico regresa a casa convertido en fantasma para sentirse más cerca de su mujer.

A la vez que el sencillo y estupendo póster promocional, ha salido también a la luz el tráiler final de la cinta, que sin necesidad de ahondar en el argumento o resumir la película entera (como pasa con el 70 % de trailers actuales) nos deja con las expectativas en la estratosfera gracias a la sensibilidad de sus imágenes, una canción para escuchar en bucle hasta que sangren los oídos y un misterioso y voyeur fantasma al que queremos abrazar casi tanto como a Rooney Mara.

Todavía sin distribución en España, la última cinta de David Lowery llegará a los cines norteamericanos el próximo 7 de julio.

 

Jose Cruz

SE PUBLICA EL PRIMER MINUTO DEL FINAL DE PEQUEÑAS MENTIROSAS

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Pequeñas mentirosas Temporada 7 - El PalomitrónFreeform ha publicado en su web oficial y redes sociales un vídeo con el primer minuto del episodio 7×11 de Pequeñas mentirosas, que supone el regreso de la serie con la última mitad de su temporada final.

En él, vemos cómo Spencer (Troian Bellisario) y Toby (Keegan Allen) son ingresados en el hospital, ella por el disparo que sufrió en la anterior season finale y él por causas aún desconocidas. Parece que el inicio del tramo final de la serie llevará al resto de las chicas a investigar quién disparó a su amiga y si el ingreso de Toby tiene algún tipo de relación.

Pequeñas mentirosas regresa el próximo 18 de abril para emitir sus últimos diez episodios. Tras descubrir hace más de una temporada quién había estado torturando a las protagonistas durante toda la serie, los nuevos capítulos se han centrado en la aparición de un nuevo acosador que ha obligado a las protagonistas a permanecer en Rosewood más tiempo del que habían planeado.

Aún sin confirmación oficial, sigue planeando la sombra de una posible secuela o spin-off. La serie ha sido la gallina de los huevos de oro de Freeform durante los últimos años y no sería de extrañar que la cadena quisiera continuar explotando la marca, incluso con la posibilidad de dar el salto a la pantalla grande. Troian Bellisario alimentó aún más los rumores afirmando que la serie acabaría para siempre tras la séptima temporada “tal y como la habíamos conocido”, lo que dio lugar a todo tipo de especulaciones sobre cómo podría perpetuarse la historia.

De momento, la creadora de la serie se ha pronunciado sobre lo que nos deparará la última temporada. Marlene King ha prometido grandes revelaciones al final de cada episodio, dar un cierre a las tramas amorosas, definir la sexualidad de Alison y un final que no será feliz para todos los protagonistas.

Fon López

HBO VUELVE A APOSTAR POR TRUE DETECTIVE

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True Detective en HBO - El Palomitron

HBO nos ha regalado la mejor noticia que podríamos haber deseado para esta semana: la vuelta a nuestras pantallas de la que para muchos ya entra en la historia como una de las mejores series de todos los tiempos. Hablamos de True Detective, esa joya que nos regaló la fría complicidad de dos detectives frente a un caso violento y crudo que los marcaría de por vida. Entonces, Woody Harrelson (Ahora me ves) y Matthew McConaughey (Dallas Buyers Club) nos sorprendieron con unas interpretaciones y una química que traspasaban la pantalla.

True Detective en El Palomitron

La historia, los personajes y el ambiente formaron una esencia única que esperábamos volver a encontrar en la segunda temporada, pero nada más lejos de la realidad. Esta fue protagonizada por Rachel McAdams (Spotlight), Colin Farrell (Animales fantásticos y dónde encontrarlos) y Vince Vaughn (Los becarios), tres pesos pesados de Hollywood que no supieron encarar este desafío. Pero no sería justo que sobre ellos recayera toda la culpa. Un directivo de HBO, Michael Lombardo, reconoció que el error de la cadena fue presionar al creador Nic Pizzolatto para terminar el proyecto en poco tiempo, sin dejarle toda la libertad creativa y espacio que sí tuvo para la primera temporada.

HBO True Detective - El Palomitron

A True Detective le queda un tercer asalto que Pizzolatto deberá aprovechar, esta vez acompañado por David Milch, creador de series como NYPD Blue o Deadwood, esta última también producto de HBO. No sabemos aún cuál sería el puesto que ocuparía Milch, que está en proceso de negociación con la cadena, pero saber que su presencia está casi asegurada ya nos da tranquilidad. Solo nos queda esperar a que tanto los directivos como los showrunners implicados sepan enfocar la temporada para devolverle la esencia perdida: ese toque noir pero elegante, agresivo pero pasivo, despiadadamente bello, y a la vez violento. Una obra llena de dualidades y conceptos enfrentados, pero que juntos crean un ambiente que engancha y fascina. En la redacción no podemos aguantar la espera, ¿y vosotros?

Naomi Barki

EL CINE EN CASA: NO RESPIRES

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No respires - Cine en casa El Palomitron

¿Hartos de las películas de terror que dependen en demasía de los comunes y poco estimulantes jump scares? ¿Buscando una película que cree una sensación de temor y una creciente e imperante fatalidad sobre sus personajes, heredera del gran cine de terror que cuece la tensión en vez de explotar en un festival de sustos fáciles con ruidos fuertes? Sony Pictures Video edita en Blu-ray y DVD un ejemplo perfecto de todo lo que hace a una película de terror una buena película de terror: No respires. Con apenas cuatro actores y algunos extras, el director del sangriento y terrorífico remake de Posesión infernal irrumpe de nuevo en Hollywood con esta película de terror que ha vuelto locos a crítica y público, alguno de ellos incluso alabándola como la mejor película de terror norteamericana de lo que llevamos de siglo.

La última película de Fede Álvarez nos introduce en la vida de tres jóvenes ladrones que actúan en la ciudad de Detroit, vaciando casas cuyo encargado de seguridad y alarmas es el padre de uno de ellos. En uno de sus robos deciden entrar en la casa de un veterano ciego de la guerra de Irak cuya hija murió atropellada, y que pasa sus días paseando su perro por el barrio abandonado de la ciudad del motor en el que vive. No respires es un thriller tensísimo, con elementos de terror, un ejercicio de género filmado con un derroche de imaginación y bastante clase por parte del director uruguayo. Álvarez aprovecha al máximo todos los espacios de la casa del hombre ciego (interpretado por un inconmensurable Stephen Lang), donde transcurre prácticamente toda la acción y en la que se puede apreciar el valor de producción de la película, y crea un microcosmos de luces, sombras y recovecos en los que esconderse mientras los personajes recorren las dos plantas del hogar y se encierran en el oscuro y escalofriante sótano.

Cine en casa - No respires - El Palomitron

Con un presupuesto de apenas 10 millones de dólares, No respires ha recaudado más de 150 millones en salas de todo el mundo (casi 90 en los Estados Unidos), y su paso por las páginas Metacritic y Rotten Tomatoes con envidiables cifras (71 y 87 % respectivamente) la sitúan en un privilegiado puesto de aceptación de público y crítica especializada al que aspiran casi todos los artistas. No respires llega en DVD y Blu-ray desde Sony Pictures Video en 1080p HD y CinemaScope (relación de aspecto de 2.39:1), con una calidad de imagen difícil de superar, con detallismo extremo en los diferentes matices de negro, que siempre lucen con una profundidad inimaginable sin enturbiar la imagen en las muchas escenas oscuras de la película. Y de  los extras de su edición en Blu-ray, que no son pocos, os hablamos a continuación.

LOS EXTRAS

Comentario con el director Fede Álvarez, el coguionista Rodo Sayagues y el actor Stephen Lang

Charla informativa que cubre bastantes temas alrededor de la producción de la película, señalando, por ejemplo, qué partes de la película fueron rodadas en situación en la ciudad de Detroit y qué partes fueron rodadas en un decorado situado en Europa. Los tres hablan sobre los escenarios, la casa y su entidad de quinto protagonista del filme, desgranan los diferentes personajes, hablan de las contribuciones del reparto y el equipo de rodaje, las escenas en las que se usaron dobles de cuerpo, entre otros detalles de cierta relevancia para aquellos espectadores que disfruten conociendo pequeñas curiosidades de las películas y su rodaje.

Featurettes (19 minutos aprox.)

Un compendio de EPK’s sobre el trabajo de pos y preproducción en No respires. No hay escapatoria (2:56) y Creando la casa del terror (3:51) son dos rápidas miradas a la construcción de los decorados de la casa, con especial esmero en la confección del sótano; Conoce al reparto (4:04) nos introduce a los cuatro actores principales del filme, mientras que Un hombre en la oscuridad (3:17) profundiza en el personaje del hombre ciego interpretado por Stephen Lang. En la última featurette, Los sonidos del horror (1:49), se indaga en el diseño de sonido de la película y se discute sobre la importancia y el significado de la banda sonora de Roque Baños. En general, estos EPK’s resultan interesantes, pero pecan de ser demasiado cortos y nos dejan con ganas de saber un poco más sobre el trabajo de artesanía de los diferentes departamentos técnicos y artísticos involucrados en la película.

No respires en el Palomitrón

Escenas eliminadas con comentarios del director (15 minutos aprox.)

Colección de ocho escenas eliminadas que extienden escenas presentes en la película o añaden motivación a los personajes. Son interesantes, y están al nivel de la película, pero como Álvarez reflexiona a lo largo de los 15 minutos, dejarlas en el montaje final hubiera roto el ímpetu y el ritmo de la película.

Maravilloso ejercicio de terror, No respires es una película que cualquier amante del género que se precie debería tener en su videoteca. Déjense cautivar por unos contenidos adicionales que, aunque cortos, se viven con la misma intensidad que los 88 minutos que dura el filme.

Pol Llongueras