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Hay muchos tipos de cine. Cine que hace reír, cine que emociona, cine que asusta, que hace llorar y, por supuesto, también hay un tipo de cine que aparte de todo esto… Da dolor de cabeza. Dolor de cabeza en el buen sentido, claro. El que nos provocan esas películas normalmente surrealistas y profundamente oníricas, alejadas de convencionalismos cinematográficos a los que estemos acostumbrados y adentradas en historias, personajes y situaciones que personifican la conciencia más íntima de sus directores. Viajes turbulentos hasta las profundidades del genio que no dejan a nadie indiferente, una mirada atrevida y tímida a la demencia que todos llevamos en lo más profundo de nuestro ser y que estas obras dejan salir a la luz. Filmin reúne en su colección What the fuck 29 de los mejores títulos que ha dado este cine tan irreverente, desde la rebeldía de GREGG ARAKI y su ácida NOWHERE hasta el corto de culto UN PERRO ANDALUZ del director español LUIS BUÑUEL, pasando por la inmortal PERSONA de INGMAR BERGMAN. Aprovechando la ocasión, nosotros seleccionamos las 10 indispensables del género que todo amante del séptimo arte debe conocer, ver y, ante todo, experimentar.

 

EL UNICORNIO (1975)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque es una de las mejores distopías que ha dado el cine. Una historia magnética con un tono profundamente metafórico, burlón incluso, que no te dejará despegar los ojos de la pantalla. El desfile de personajes y situaciones, surrealistas a no poder más, parecen no tener fin en la película. Además hay unicornios, ¿y a quién no le gustan los unicornios? Por si aún así faltaran razones para convenceros, su potente fotografía y cautivador sonido le otorgaron dos Premios Cesar en el 75. Un reconocimiento merecido a una historia también merecedora de varios visionados.

LA ESCENA: Aunque hacemos hincapié en la dificultad que nos ha supuesto elegir un momento en esta cinta (la película nos deja imágenes memorables), si tenemos que quedarnos con una elegimos la primera toma en la que aparece el unicornio, anticipo perfecto de lo que nos deparará la cinta y carta de presentación del remarcable surrealismo de la película.

NOWHERE (1997)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque si juntas adolescentes, alienígenas y LSD no puede salir nada malo. Su propio director la define como “SENSACIÓN DE VIVIR después de tomar ácido”, una versión rebelde de las películas teen convencionales con dosis de sexo, droga y surrealismo. Es la tercera (y mejor) parte de la “Trilogía del Apocalipsis Adolescente”, encabezada por las cintas TOTALLY FUCKED UP en primer lugar y THE DOOM GENERATION como segunda y puente entre ambas. En cualquier caso, las tres cintas funcionan de manera independiente y pueden ser disfrutadas por igual sin haber visto las demás.

LA ESCENA: Revelarlo sería spoiler, pero os podemos decir que la escena final vale su peso en oro, cierre perfecto para poner la guinda en el pastel de la psicodélica cinta del siempre rebelde GREGG ARAKI. Si pensabas que no podía sorprenderte más, te equivocabas. Un director como él siempre guarda un as bajo la manga, y en esta ocasión lo deja para el final para impactarte aún más.

 

DIAMOND FLASH (2011)

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¿POR QUÉ VERLA?: ¿Creíais que no había cine español así? Por supuesto que lo hay, y del bueno además. CARLOS VERMUT se estrena con un largometraje de superhéroes que tiene poco de capas y poderes y mucho de heróico, y del que lo mejor para disfrutar de su historia es saber lo menos posible sobre ella. Una caja de sorpresas que se va abriendo muy gradualmente hasta desvelar todo lo que lleva dentro. Siempre es un placer poder ver como el cine español más vanguardista intenta romper con la estética y, sobre todo, con los prejuicios que sacuden al cine nacional.

LA ESCENA: Sangre, vómito, sospechas, secuestros, violaciones y pederastia en una única conversación rodada en un claustrofóbico cuarto de baño. Un ejercicio magistral de hacer mucho cine con muy poco. CARLOS VERMUT nos sorprendía con una escena poderosísima en carga moral, dialéctica y escénica en la que fuera su primera y prometedora ópera prima.

 

CABEZA BORRADORA (1977)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque es la ópera prima del maestro del surrealismo DAVID LYNCH, y si aún no conoces el ambiente perturbador con el que dota a todas sus películas deberías hacerlo iniciándote precisamente con esta. Un maestro del onirismo que cuida los aspectos técnicos de sus cintas hasta la extenuación. Sobresaliente película en casi todos los sentidos, un mérito teniendo en cuenta las limitaciones económicas y técnicas a las que estuvo sometido a la hora de rodarla.

LA ESCENA: La escena del pollo. Suena cómica pero no lo es, un ejercicio de tensión sobrecogedor para el que nunca estás preparado. DAVID LYNCH volverá a sorprenderte con su desbordante (y oscura) imaginación hasta conducirte a los más recónditos y bizarros espacios de su mente. Una sutil invitación hasta la demencia más brillante.

 

CUBE (1997)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque es terror psicológico al servicio de la inteligencia del espectador y no a la comercialidad, como suele ser en estas cintas. Una película con pequeñas dosis gore que no emplea la sangre ni los sustos como elemento gratuito para atraer al público, sino que se sustenta en ella para aportar calidad a la misma. Teniendo en cuenta la falta de originalidad que sacude el cine de terror actual, CUBE siempre es un ejemplo a seguir.

LA ESCENA: El comienzo de la película, claustrofóbica presentación de ese oscuro y mortal laberinto en el que se mueven los personajes durante la cinta. La ambientación está tan lograda que te sentirás igual o más desorientado/a que sus protagonistas. Destacar la agobiante atmósfera que logró crear VICENZO NATALI en un espacio tan pequeño, valiéndose únicamente de la iluminación del mismo.

 

LA MONTAÑA SAGRADA (1973)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque el cine de JODOROWSKY es único. Estampa su firma en cada uno de sus films y nunca deja indiferente. De hecho, parte de la fama de esta cinta y del propio JODOROWSKY proviene del escándalo que produjo su visionado en el Festival de Cannes del 73. Un cine enigmático, atrayente y, por encima de todas las cosas, esotérico. JODOROWSKY propone una experiencia cinematográfica que rompe todos los moldes del cine y de tu mente.

LA ESCENA: Es difícil elegir una escena en una película tan controvertida como esta, pero si tenemos que quedarnos con una, elegimos sin dubitación la escena que describe el final de la película. Una muestra más del descaro de JODOROWSKY a la hora de plasmar su visión sobre la vida. Sin exagerar, un final que cambiará tu manera de ver la vida y el cine.

 

UN PERRO ANDALUZ (1929)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque esta lista sin BUÑUEL no sería lo mismo, sólo él es capaz de crear una atmósfera y unas situaciones tan sugerentes en tan sólo 19 minutos. Una obra de arte de uno de los mejores directores que ha dado el cine español, donde su visionado es más que obligatorio. Un film con fama internacional que significó un antes y un despúes en el género experimental y que animó a muchos otros a no ponerse límites a la hora de rodar.

LA ESCENA: No podíamos elegir otra escena que el archiconocido corte en el ojo. Una escena cruda y profundamente expresiva que plasma perfectamente la capacidad de BUÑUEL para hacerte sentir sus películas al máximo. Una escena por cierto que contó con la inestimable colaboración de DALÍ, con el que BUÑUEL compartió residencia de estudiantes junto a LORCA mientras estudiaban.

 

HOLY MOTORS (2012)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque pocas veces vas a ver una película tan hipnótica e impactante como esta, perteneciente a ese selecto club de producciones que te pueden gustar más o menos, pero nunca te dejarán indiferente. Un experimento cinematográfico que juega con el propio cine. Una película camaleónica y absolutamente impredecible. ¿El resultado? Mejor descúbrelo por ti mismo.

LA ESCENA: El cameo de EVA MENDES en la película trae consigo uno de los mejores momentos de la misma. Sin haceros spoiler, provocativa, rebelde… puro Holy Motors. Una escena que reúne toda la irreverencia que hace de Holy Motors una de las mejores películas de cine experimental que se han hecho por el momento. Deseando estamos que LEOS CARAX haga magia de nuevo.

 

PERSONA (1966)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque BERGMAN es razón de sobra, porque su fotografía en blanco y negro, tan pulcra y cruda a la vez, te hiela el alma como pocas películas lo han hecho y porque el silencio, perfectamente ejecutado, se convierte en el principal protagonista de esta magistral cinta. Una película íntima, profunda, que significó una nueva manera de hacer cine.

LA ESCENA: Como dijo Nacho Gutiérrez en su TOP 10 EL CINE DE INGMAR BERGMAN: “Alma se desnuda frente a Elisabeth y frente al espectador a través de un monólogo de 7 minutos de duración, en el que por medio de palabras muestra todo su ser, sus miedos, sus fantasías y sus secretos más oscuros, abandonando por unos instantes la máscara y el personaje que lleva ante todos y ante si misma.”

 

PI (FE EN EL CAOS) (1998)

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¿POR QUÉ VERLA?: Porque difícilmente vas a ver una película tan poética y perturbadora a la vez, una oda a las matemáticas y la vida con una banda sonora eléctrica y caótica a partes iguales. Su peculiar fotografía te sumergirá en una espiral de locura junto a su protagonista de la que no podrás salir hasta que termine la cinta. La esquizofrenia nunca había sido tan magistralmente representada.

LA ESCENA: En una lección de cine, ARONOFSKY representa una jaqueca de forma excepcional. La dinámica de la cámara y los chirridos estridentes te conducirán (en el buen sentido) hasta el dolor de cabeza del protagonista. La recurrencia de esta escena junto a los planos que aparecen en ella son marca de la genialidad del director estadounidense.

El cine experimental, casi siempre moviéndose por el terreno más underground del panorama, ha sabido sobrevivir a base de la originalidad y el descaro de sus proyectos. La posibilidades del cine son inmensas y aquellos que logran salir de la corriente más comercial y arriesgan por definirse a través de su expresión más personal merecen más atención por parte de todos nosotros, los cinéfilos. Tristemente, la dinámica que adquiere el cine acerca cada vez más a la películas al concepto de producto, sólo hay que ver las “batallas” que llevan a cabo las productoras para convertirse en el último éxito de taquilla, rozando lo indignante. No podemos olvidar que el cine es un método de expresión, y debemos apoyar a todos aquellos que rompen con la estética tradicional y tiene el valor de ser ellos mismos detrás de la cámara. En definitiva, debemos apoyar a quienes ven el cine como lo que es, un arte.

Como regalo final os dejamos un corto que realizó WALT DISNEY con el genio de DALÍ.

Pura magia, puro cine.

http://www.youtube.com/watch?v=abl5jQVRleQ

Victor Camarero

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